Va de versos...

'La plaça salvatge', Tomas Tranströmer

2009-07-06T17:43:00.000-07:00

La plaça salvatge
Tomas Tranströmer
Traducción al catalán: Carolina Moreno Tena
Editorial: Perifèric Edicions
Colección: Poesía
1ª edición, junio de 2007
Género: Poesía
77 páginas
ISBN: 978-84-92435-02-9

El poemario se abre con unos versos desgarradores donde el yo poético se encuentra escuchando un concierto de órgano en una iglesia; cuando, de repente, una pausa lo aleja de ese lugar. Un largo flashback lo empuja a pensar en la esencia de la vida: las contradicciones, la luz y las sombras. A partir de ese momento, se establece un recorrido por una geografía llena de contraposiciones: lugares donde el lenguaje carece de palabras y las palabras no conforman lenguaje. Zonas donde los recuerdos están muy cerca, pero no se pueden aprehender y donde el yo poético se mueve en la oscuridad. Lugares también donde los muertos y los personajes soñados conviven con los seres vivos bajo el tañido de las campanas.

Esa es precisamente "la plaza salvaje", el sitio indeterminado de comunión entre diferentes esferas y donde se produce el tránsito de las personas con sus angustias, miedos y esperanzas. Todo aquello que no es moldeable, que está en estado puro, salvaje. La vida se ve envuelta por un ente que el ser no puede controlar del todo. Los poemas, en los que hay dosis de surrealismo, son como breves relatos fantásticos, que permiten al lector imaginar un mundo de ilusiones e imposibles.

La plaça salvatge es un poemario abrumador con unos versos que van situando, poco a poco, al lector, lo ubican, lo relajan y, cuando lo tienen atenazado, se desenmascaran y le golpean en lo más hondo. Así, los poemas dejan tremendas imágenes difíciles de borrar, como esas "noches de sol radiante", o "como cuando el turista es detenido / por recelosos hombres uniformados / abren la cámara, desenrollan la película / y dejan que el sol ciegue las imágenes: / así es como la claridad diurna oscurece los sueños".

La poesía de este autor sueco, Tomas Tranströmer, es de una calidad extrema. Por eso, no puedo evitar preguntarme cómo es posible que, con todo lo que se publica en España, solamente haya dos libros traducidos de este autor: La plaça salvatge en catalán y Para vivos y muertos (Hiperión), ya descatalogado. Qué lástima que Tranströmer sea uno de los poetas más importantes de Europa, que sea candidato al Nobel porque todo el continente se ha dado cuenta de su valía y que, sin embargo, en este país nos lo estemos perdiendo.

'Lo de ella', Concha García

2009-04-26T06:34:00.000-07:00

Lo de ella

Concha García

Icaria Editorial

1ª edición, 2003

Género: Poesía

70 páginas

978-84-7426-673-3

Poemas de corte intimista y autobiográfico donde la poeta nos detalla el ir y venir de un hotel a otro a lo largo de su existencia. No solo eso, sino ese no sentir que se pertenece a ningún sitio, ese estar constantemente cambiando de lugar, unas veces pasando frías noches en hoteles, otras tantas esperando en los aeropuertos...

Estamos ante un poemario aparecido en 2003, uno de los últimos publicado por su autora. Su trayectoria ya está consolidada y eso se nota en su poesía. Me atrevería a decir que es uno de los textos más radicales en cuanto a formas que ha escrito: los quiebros son como abismos que te encuentras sin esperarlos, las pistas que va sembrando para poder interpretar el texto son más escasas.

Requiere una lectura más atenta y una participación del lector muy importante. La soledad o desolación está presente, pero hay que darse cuenta de ella, no está de una forma demasiado explícita. Con el tema del recuerdo de un pasado amoroso ocurre lo mismo: está presente pero hay que dar con él, etc.

Eso se debe a que más que poemas estamos ante poemillas, versos breves y contenidos pero que a la vez quieren expresar mucho. Las metáforas abundan y muchas de ellas hay que saber interpretarlas (ayuda mucho haber leído otros libros de la autora).

Sería un error decir que es un libro complejo, porque la complejidad es relativa y seguro que a su autora no le gustaría leer esta afirmación. Pero sí diremos que hay mucha codificación y hermetismo.

Un lector poco dado a la poesía quizá se pierda en este poemario si además no ha leído nada de Concha García. Recomendaría empezar por Si yo fuera otra, que es una buena antología para empezar a conocer a esta autora y a partir de ahí, seguir con sus distintos libros.

En cualquier caso animo a que al menos intenten leer a esta poeta, vale la pena conocer nuevas formas de expresarse, quizá no tan nuevas, pero que resultan novedosas en estos momentos.

'Ciudad del contrahombre & Noctambulario', Eleazar Rivera

2009-04-10T06:55:00.000-07:00

Ciudad del contrahombre & Noctambulario

Eleazar Rivera

Género: Poesía

Editorial: La Garúa

Colección: La Garúa Poesía

Premio Internacional de Poesía Joven La Garúa 2006

1ª edición, febrero de 2008

91 páginas

ISBN: 978-84-935624-9-6

El poemario está dividido en dos partes. Por un lado Ciudad del contrahombre y por otro Noctambulario. En ambas partas el yo poético se ve apartado de la ciudad que le vio crecer y ahora lo sume en una caverna echando la vista atrás ejercitando la memoria. Aquel que ha visto cómo sus pasos han hecho camino más allá de su ciudad, puede ser ahora un apátrida, alguien perdido en la clandestinidad y en el dolor de la memoria.

A veces es suficiente el primer verso para que el lector se ponga en alerta. Puede que a partir de ese momento, el poemario entre rápidamente en una debacle de la que ya no se salve hasta el final. Puede que se trate solamente de un tropiezo y el poemario retome el vuelo. El lector tiene que mantenerse despierto, ajeno a prejuicios y con la mente clara para prepararse ante lo que el poeta le va a decir. En el caso de Ciudad del contrahombre empiezo leyendo un verso que me desconcierta: "Mujer ciudad. Ciudad sin sombras, te amo desde antes que naciera el trueno." Esto ya me hace temer lo peor, que lo que me voy a encontrar no me va a convencer, pero sigo leyendo atento, con la mente lo más despejada que puedo. Y cuando llego al final tengo la sensación de haber leído un poemario bastante irregular.

Parece que algunos poemas hayan sido escritos con el alma y otros solamente con la pluma. A medida que iba leyendo el poemario me encontraba con cantos de auténtica nostalgia y dolor pero también con versos que me dejaban indiferente. Eso último quizá sea porque algunos poemas resultaban demasiado repetitivos (cuántas veces habré leído las palabras "memoria", "caverna" y "escombros" a lo largo del poemario), en ocasiones superficiales y hasta incluso a veces se pierde la senda de la poesía para pasar al aforismo. No obstante, es agradable encontrarse con poemas como Los zapatos sobre la avenida y La ira de Leviatán.

Lo que me queda después de la lectura es haber asistido a un poemario irregular: una mezcla de cantos de auténtica necesidad y otros de simple expresión artificial.

'La constancia del agua', Jorge de Arco

2009-03-24T06:01:00.001-07:00

La constancia del agua

Jorge de Arco

Editorial: La Garúa

1ª edición, septiembre de 2007

Género: Poesía

63 páginas

ISBN: 978-84-935624-6-5

Jorge de Arco propone con La constancia del agua una analogía entre la vida y el agua. El agua, como la existencia misma, tiene sus cursos y sus estados. El yo poético está anclado en un momento de relativa quietud, marcado por el recuerdo de tiempos pasados (donde hubo un amor que le colmaba de dicha) y por la imposibilidad de soñarse a sí mismo en el futuro. El yo poético –como el agua- está condenado a desembocar en la inmensidad de un “océano de no ser”.

Pensemos en un río: se forma con pequeñas gotas que, al unirse, agrandan el volumen de agua. Éste baja con fuerza, su curso es bravío y apenas nota el impacto de las rocas (dice el autor “las aguas que fueron territorio de la niñez”). Pero más tarde, el ancho del río aumenta, su velocidad decrece, se torna más quieto. Pero esa serenidad no es total, ya que en su interior todavía arrastra los sedimentos del pasado. Más tarde, ese río está condenado a perderse en la inmensidad del mar.

Grosso modo, esa es la gran analogía que podemos entrever en La constancia del agua. El amor del pasado es maravilloso, pero el dolor de recordar su ausencia es lacerante. Esa ambigüedad provoca que, en ocasiones, haya un clamor para que la desmemoria se imponga al escalofrío y en otras se dibuje “un lugar donde Dios no consienta el olvido”. Es imposible olvidar un amor, pero es dura la llaga del recuerdo. Quizá sea porque ese amor supone ir a contracorriente.

El agua es ambivalente: por un lado borra las huellas, puede purificar y sanar. Pero, por otro lado, puede arrastrar y matar. En el agua saciamos la sed, pero nos podemos ahogar. Quizá ese doble filo haga, precisamente, que el yo poético se sienta vivo, pero a la vez náufrago de su propia existencia.

'Funerales del caballo', Ángel Padilla

2009-02-20T15:00:00.001-08:00

Funerales del caballo

Ángel Padilla

Editorial La Garúa

Colección: La Garúa Poesía

1ª edición, febrero de 2008

Premio Internacional de Poesía Joven La Garúa 2006

Género: Poesía

71 páginas

ISBN: 978-84-934968-7-6

Padilla abre el poemario con un intento frustrado de diálogo con la naturaleza. Ésta se presenta como madre de la creación, pero aguarda callada, porque el paso del tiempo la está mermando. El yo poético se esfuerza, pero es en vano, la naturaleza está dolida. Pero inmediatamente la belleza se erige por encima de la muerte: lo que es hermoso se manifiesta a través del silencio.

El amor es una manera de mantener viva la llama. No solamente porque el amor es un impulso natural del ser humano, por tanto de la naturaleza, sino porque amando la naturaleza, la mantenemos viva. El yo poético es un semejante de la naturaleza, ambos sufren igual porque ambos son creadores y fruto a la vez de la vida misma. Al yo poético se le vuelven los dedos azulados navegando en un mar sin orillas al mismo tiempo que la naturaleza va siendo testigo de su propio funeral.

En el poema Canto funeral de los nacimientos tenemos un juego de binomios potentes que demuestran esta semejanza entre el yo poético y la naturaleza: jardinero y enterrador, hierba y asfalto, rosa y nieve, parto y funeral, trigo y ceniza… Y todos estos binomios quedan "abrazados", como muestra de que el nacimiento y la muerte van encadenados y lo que nos queda es lo que está en el medio: la vida. Nuevamente la vida.

Enrique Falcón dice "pocas veces, entre la poesía española contemporánea, podríamos encontrar libros como éste en que la defensa de la vida se convierta en un acto de dignidad". Y Antonio Orihuela afirma que Ángel Padilla "ha construido un poemario que nos interpela, nos zarandea y nos fustiga para que despertemos de este tiempo de muerte a la vida". No hay dos frases que definan tan a la perfección la esencia de este poemario. Poco más se puede añadir que no sea mencionar el impacto que supone la lectura de Funerales del caballo: un poemario de extrema dureza, pero necesario. Y un final tan brutal como sugerente.

'Moments feliços', Oriol Izquierdo

2009-02-12T21:25:00.000-08:00

Moments feliços

Oriol Izquierdo

Editorial: Edicions 62

1ª edición, octubre de 2008

Género: Poesía

93 páginas

ISBN: 978-84-297-6155-9

Aunque Moments feliços (Momentos felices) sea el primer poemario que se publica de Oriol Izquierdo, lo cierto es que este escritor ya llevaba tiempo componiendo versos. Como suele suceder muchas veces con otros autores, Izquierdo daba forma a un yo poético que luego encerraba bajo llave en algún cajón de su despacho. A finales del año pasado, ese cajón se abrió para liberar, por fin, los poemas y Edicions 62 ha sido el encargado de sacarlos a la luz.

Un tema determinante se pasea a lo largo de estos Moments feliços: la muerte prematura de la hija del autor, Carla. El poemario está dividido en cuatro partes, en las tres primeras hay una diversidad de emociones que son solamente premonitorias de lo que nos vamos a encontrar en la cuarta parte: el dolor por la pérdida.

El yo poético empieza errático, algo desubicado en el mundo en el que se encuentra, por lo que inicia una búsqueda. Mira el paisaje desde la distancia, se abstrae de la realidad, pero sabiendo que la vida es lo que es y que es difícil huir. Aunque ese yo poético queda a veces agotado a mitad del camino, sabe que debe perseverar, quizá sabiendo que, finalmente, nos salvan las palabras.

En la segunda parte nos encontramos con la insatisfacción con el entorno: una multitud mirándose el ombligo, gente que habla por no callar, la insolidaridad, la capacidad de crueldad, la incomunicación, la muchedumbre invisible y la obstinación por ser un disfraz de uno mismo.

Pero llega el deseo en la tercera parte, dando una sensación de plenitud y de paz, como si el yo poético se asentara en el paraíso. El deseo se mezcla con cierto temor a morir, pero quizá también a vivir. Es difícil mantener el equilibrio ante estos momentos felices.

Seguramente muchos lectores pueden estar desconcertados ante el título, pero el autor tiene una explicación: ¿no es, acaso, relativa la felicidad? ¿No puede ser uno igual de feliz ante una ausencia que te acerca a la plenitud y a la paz? En la cuarta parte cae como una losa la tragedia: la muñeca queda tirada en el suelo, al lado de la cama, como advertencia de lo que acaba de ocurrir: la muerte de la hija. El poema Cançó (Canción) atraviesa al lector como una lanza y lo sacude hasta el final.

Pero ante la ausencia, quedan dos opciones: la angustia o la búsqueda: el sentimiento de que todavía está ahí. La sensación de que en las pequeñas cosas está encerrado el recuerdo mágico del ser querido desaparecido, esperando a ser descubierto y, al hacerlo, nuevamente la paz.

Estamos seguramente ante un poemario circular: volver al principio después de leer los últimos versos de Moments feliços es comprobar que la nueva lectura es diferente de la primera, que hay otro contenido, otra esencia y otro yo poético. De alguna manera, son dos poemarios en uno: el primero –le lectura- es el que provoca la llaga y el segundo –le relectura- el que ahonda en ella o el que la cicatriza, depende del lector. Sea como sea, resulta imposible no sucumbir a estos momentos felices.

'Maniobras diversivas', Andrés González Castro

2008-10-17T12:29:00.000-07:00

Maniobras diversivas
Andrés González Castro
Fundación Cultural Miguel Hernández
1ª edición, 2008
Género: Poesía
70 páginas

Resulta complejo poder decir de qué va este poemario. Basta señalar el título como referencia: Maniobras diversivas. El título es una excusa para hablar un poco de todo. Andrés González Castro abre su poemario con una súplica a la poesía misma, pidiéndole que le deje volver a ella si la abandona. A lo largo de las páginas, trata diferentes temas que le interesan: habla de la cultura, del amor, de la soledad; juga con el tiempo, con el espacio...

Antes de adentrarnos en Maniobras diversivas, Iván Sánchez Moreno -el prologuista- nos lanza una advertencia: "Este libro es una trampa: hay que sufrir para gozarlo". Mal asunto, pensé cuando leí esta sentencia. Así que prescindí del prólogo y fui directamente al poemario. Que me perdone el autor del artículo, pero soy de los que piensan que uno no debe entrar en un libro con condicionantes.

Leo Maniobras diversivas y, cuando acabo, empiezo a reflexionar sobre lo que he leído. Me pregunto cuál es el eje central del poemario y me pierdo al intentar encontrarlo. Andrés González Castro lanza un conjunto de ideas dispares, que poco tienen que ver entre sí. Tan pronto habla de Auschwitz, como del amor, como de la poesía o la cultura. Por esa razón, decía anteriormente que para enteder el poemario, hay que fijarse en el título: si algo hay en el libro es precisamente diversidad.

Lo malo del asunto es que los poemas me han resultado muy flojos. Tanto es así, que incluso a lo largo de la lectura he sentido una profunda sensación de aburrimiento. Son versos bastante sencillos que no esconden sentimientos demasiado profundos: al menos esa es la sensación que he tenido (el autor, obviamente, defenderá lo contrario). El poemario, no obstante, fue premiado en 2005 con el Premio Nacional de Poesía Fundación Cultural Miguel Hernández.

'Las letras de tu nombre', Pepe Viyuela

2008-09-14T10:05:00.001-07:00

Las letras de tu nombre

Pepe Viyuela

Editorial: Amargord Ediciones
(1ª edición: Madrid, 2008)

Género: Poesía

80 páginas

ISBN: 978-84-87302-86-2

Aunque cuando muchos oigan el nombre de Pepe Viyuela, lo asocien con su papel en la serie de televisión Aída o por sus interpretaciones en las películas de Mortadelo y Filemón, lo cierto es que Viyuela, además de actor, es poeta. Prueba de ello es su reciente poemario publicado por Amargord Ediciones: Las letras de tu nombre.

En este poemario, el yo poético se debate entre la necesidad de expresar unos sentimientos y la imposibilidad de transmitirlos. El deseo queda contenido en el silencio y apenas puede configurarse en palabras y menos en versos. Pero ese yo poético es correspondido precisamente por la mirada, ese flujo de información que resulta más poderoso que el lenguaje oral. En el abismo de unos ojos el poeta se reconoce y averigua que siempre ha habido un amor correspondido, aunque no encontrado: dos personas que se buscan mutuamente, pero que no se encuentran.

Hay un cierto lamento por esa contención, por las palabras no dichas, por las caricias no liberadas. El yo poético, en ocasiones, demuestra que con suerte solamente puede expresar escribiendo versos en la arena, pero el agua de las olas rápidamente borra ese esfuerzo. Otras veces las palabras se quedan pegadas al paladar y se deshacen porque no son dichas, ni son escuchadas por nadie, conformando así el pesar por el silencio envolvente.

El mar es, precisamente, un lugar de unión simbólica, una inmensidad donde zozobrar ante ese amor contenido. El mar es el sitio donde sentirse náufrago, apartado del mundo, sin querer en ningún momento regresar a la normalidad de las ciudades. El yo poético se muestra como un ser ahogado, que busca “encontrar un rincón sin referencias” y “un lugar no inventado / que se abre exclusivo para el verso, / inaccesible, en el que nadan / los dioses por las tardes”.

Las letras de tu nombre resulta ser un grito de amor descarnado. Tiene el punto justo de sencillez expresado con el tono poético adecuado. Unos versos equilibrados, pero a la vez llenos de fuerza. Interesante espectáculo poético el que nos brinda Pepe Viyuela con su último libro.

'Un pez que va por el jardín', José Corredor-Matheos

2008-05-09T14:47:00.000-07:00

Un pez que va por el jardín

José Corredor-Matheos

Tusquets Editores

Colección: Nuevos Textos Sagrados

1ª edición, 2007

Género: Poesía

124 páginas

ISBN: 978-84-8383-031-4

Siguiendo la línea de anteriores poemarios, como El don de la ignorancia, José Corredor Matheos habla del lugar que ocupa el yo poético en el mundo. Esta vez lo vemos aunado con la naturaleza: hay una correspondencia con los pájaros, los árboles, el mar, etc. El espacio y el tiempo pertenecen al yo poético a la vez que se le escapa; en ocasiones el ser va tan rápido por el jardín –como el pez que da nombre al título- que los versos no pueden seguir la estela y, sencillamente, se detienen.

Si el pájaro vive en libertad, solo pendiente de su vuelo, sin saber que ha nacido y que debe morir, por qué el ser humano debe ser consciente de tales extremos. El yo poético se muestra muchas veces en actitud pasiva ante la naturaleza, la creación se produce por el murmullo del viento o por el vuelo de los pájaros. Hay una constante necesidad de que el cielo arroje luz sobre las sombras, aunque el cielo se muestra muchas veces impasible.

La desorientación, el antitético sentimiento de pertenencia y no pertenencia a este mundo, hacen que el yo poético ande perdido, errado. Uno puede dominar su propio tiempo y espacio pero, a la vez, cae en la conciencia de que vida solo hay una: la vida magnánima de la naturaleza a la que pertenecemos todos los seres vivos. En ese caso, no somos más que una partícula de una gran esfera.

El juego de antítesis es importante en esta obra poética. No solamente por esa perspectiva de pertenencia y no pertenencia, sino también por el contraste de luz y oscuridad, de lo que vuela y lo que permanece en tierra. El título mismo suena antitético: un pez que va por el jardín. Quizá esa desorientación, quizá la muestra palpable de que un pez es un ser de agua y fuera de su hábitat se siente ahogado, perdido. El yo poético es un pez intentando aletear en un jardín. Como el jardín del Edén, que supuso la desgracia para el hombre, pero que a la vez fue el punto de partida para la procreación de nuestra especie en la Tierra.

Este poemario es de esos brutales, que deja sin aliento a cada golpe de verso. Uno tiene la sensación de que entiende la completa dimensión de la existencia cuando entiende los sentimientos de este gran poeta. La soledad, la muerte, la vida, la naturaleza… todo lo que conforman la vida a la que pertenecemos, pero sin olvidar que la vida misma nos pertenece también a nosotros.

'La piel del vigilante', de Raúl Quinto

2008-03-04T11:00:00.000-08:00

La piel del vigilante

Raúl Quinto

DVD Ediciones

1ª edición, 2005

Género: Poesía

70 páginas

ISBN: 978-84-96238-24-4

En una nota inicial el autor nos explica que el poema parte de los personajes y de la trama del cómic Watchmen, escrito por Alan Moore y con ilustraciones de Dave Gibbons. Así, en estos versos se da cita a un particular baile de máscaras donde personajes como “el comediante”, “el búho nocturno” o “el juez de toda la tierra” van desfilando ante el lector poniendo de manifiesto determinadas debilidades del ser humano.

Esas debilidades son las partes de arena del ser humano, un todo que se deshace con el viento o con el agua. De tal modo, en el poemario leemos versos tan reveladores como “soy derrumbes de humo entre las ascuas” o “soy la caída libre de la culpa”. El yo poético difícilmente se enfrenta a la verdad si no tras una máscara, tras una dura piel que puede borrarse con la lluvia o con las lágrimas.

Si hay algo que está claro en el género poesía es la relativa libertad en la interpretación de los versos. Raúl Quinto es un autor sabio en este aspecto porque avisa que no es él ni el cómic lo que da sentido a La piel del vigilante sino que “es la realidad la que se filtra por los poros de esta máscara”. Por lo tanto, el lector percibe una realidad que hace suya, pero teniendo en cuenta que esa dimensión no es la única que posibilita la lectura del poemario. Decía el autor en referencia a Grietas –otro poemario- en una entrevista que le hice que “no hay ningún yo en todo el libro, el personaje poético son unos ellos fantasmales, presos de ese oscuro desmoronarse en el que ciertas realidades sumen al ser humano”. Precisamente podríamos extrapolar esa afirmación a La piel del vigilante. Aquí también hay unos “ellos fantasmales” que se desmoronan ante determinadas realidades del ser humano.

Hay ciertas similitudes entre La piel del vigilante y Grietas. No solamente lo que acabamos de mencionar, sino también algunas metáforas, como la de la arena: “si cogemos un puñado de arena de playa con nuestra mano derecha y cerramos el puño, lo que queda en el hueco de la mano es el yo, si la abrimos comenzarán a caer incontables granos de arena de lo que antes era una unidad”, decía Raúl Quinto. Esos granos de arena son las partes del ser humano que van cayendo y que pueden borrarse con cada golpe de aire o de agua.

El mundo que se configura en este poemario es de cierto patetismo, cierta angustia, pero a la vez de cierta complicidad y simpatía. Todos nos hemos sentido miserables alguna vez o no hemos sido capaz de acercarnos a la verdad si no es a través de una máscara. Parece que solo en los casos extremos del desasosiego el hombre puede quitarse ese disfraz para mostrarse tal y como es. La muerte puede ser un paraje donde despojarse de toda máscara porque no hay quien se oculte en esos momentos de sombras.

La piel del vigilante es un poemario excelente. Cada verso es una pincelada de sentido y fuerza visual, algunas veces incluso de surrealismo que permite que nos integremos en cada uno de ellos. Todos estamos, de alguna manera, en La piel del vigilante.

Vale la pena leer este poemario y, sobre todo, vale la pena detenerse un instante en este poeta, Raúl Quinto.

"Poemas de bolsillo", Esteban Martín

2008-01-15T15:09:00.000-08:00

Poemas de bolsillo

Esteban Martin

Edición del autor

Género: Poesía

ISBN: 84-398-1188-8

62 Páginas

El poemario está dividido en dos partes, en la primera, con una cita introductoria de Rubén Darío, los versos tratan de la realidad de esa América constantemente sometida por golpes militares y por guerras absurdas.

En la segunda parte, introducida por una cita de Antonio Machado, trata más del ser humano en consonancia con su entorno, es decir, la vida, el amor, la opresión del poder, la muerte...

De la primera parte, la más breve, sólo podemos decir que es genial. Refleja esos paisajes de lucha por la libertad que se han visto en Latinoamérica durante tantos años, en este caso más concretamente en Chile. Hay un canto maravillosoa la muerte de Pablo Neruda, el gran poeta chileno. Esteban Martín -autor del éxito de ventas La clave Gaudí- abre la segunda parte del poemario con la cita de Antonio Machado la poesía es el diálogo de un hombre con su tiempo, realmente es la mejor forma para definir lo que es Poemas de bolsillo, un diálogo encarnado del hombre con su tiempo, con sus circunstancias.

De nada sirve estar disgustado en esta vida, pues a gusto o a disgusto, todos vamos a parar al mismo sitio. Por esa razón hay que disfrutar del amor, aunque sea efímero a veces. El amor se corresponde con esa necesidad de vivir.

Habla de la guerra "incivil" que España ha vivido y que los españoles han sido capaces de dejar atrás, si somos capaces de superar cosas como esas, qué obstáculos no vamos a ser capaces de saltar.

Por lo tanto, uno debe ser capaz de vivir y disfrutar al máximo de todo lo que pueda y evitar someterse a poderes opresores, la vida es el mejor regalo que tenemos y no debemos desperdiciarlo. Somos personas, no un número más en una estadística absurda.

Es un poemario absolutamente imprescindible que todo amante a la poesía debería leer y para los no amantes de la poesía también, pues más allá de simples versos, son auténticas lecciones y anhelos de seguir luchando hasta que la naturaleza nos arrebate las fuerzas. Lástima que ande descatalogado y a la espera de que alguna editorial se preste a reeditarlo.

"Colores", Ana Isabel Conejo

2008-01-14T09:12:00.000-08:00

Colores

Ana Isabel Conejo

Editorial La Garúa

Género: Poesía

1ª edición, 2007

76 páginas

ISBN: 978-84-935624-1-0

A juzgar por lo que promete el libro antes de leerlo, podríamos decir que Colores es un poemario donde los versos están escritos con un pincel y una paleta de artista. Más todavía, a juzgar por un primer golpe de vista, podríamos determinar que los versos han sido coloreados antes que haber sido escritos. Pero como las obras no se deben juzgar antes de leerlas, me lanzo a la aventura de disfrutar de un poemario que ha sido premiado por la editorial La Garúa y el Ayuntamiento de Santa Coloma de Gramenet.

Y al abrirlo me encuentro, efectivamente, con unos versos donde el eje principal son los colores. Cada poema está fundamentado en un color, a veces es el blanco, otras el rojo y otras el índigo. Pero cada uno de ellos está además anclado en un aspecto de la naturaleza: un pájaro que vuela en un cielo azul, las hojas de las plantas que pasan del verde vivo al amarillo aletargado...

Lástima que a medida que avanzo en la lectura, empiezo a sentir el tedio de unos versos que no me comunican nada. Veo, sí, un interés en extraer los colores de la naturaleza y de la historia para escribir este poemario, pero al margen de esta extracción pictórica, no veo nada más allá. Un ejemplo de lo que digo son los poemas titulados Arco Iris, El matrimonio Arnolfini, Púrpura... donde parece que le autora haya ido a la enciclopedia y haya hecho un breve resumen sobre lo que ha leído para estructurarlo en forma de poema. Porque en estos poemas no veo la poesía, y no hay redundancia en lo que digo ni razonamientos antitéticos, sino pura y simplemente que son versos donde uno no encuentra la esencia de la poesía.

Esto plantea un sustancioso debate sobre los límites o las características de la poesía. Tanto se ha pensado sobre este tema, que resultaría complicado sacar conclusiones, pero no hay que olvidar que para que un texto sea considerado poesía, no basta con escribir con cierto vocabulario y cierta estructura formal. La prosa es la prosa y la poesía es la poesía y aunque intentemos disfrazar prosa en forma de versos, no implica que consideremos este hecho como poesía. Al menos yo no lo considero. Otra cosa bien distinta es la intención clara y manifiesta de aunar estos dos géneros. Así puede que resulten unos poemas en prosa tan prodigiosos como lo son, por ejemplo, el libro Terraria, de Francisco León, que ganó un año antes el mismo premio. También Baudelarie tenía sus Pequeños poemas en prosa y no le fue nada mal.

Pero uno aquí tiene la sensación de que lee unas reflexiones personales que se han estructurado para decir que es poesía. Insisto, algunos poemas parecen más bien extractos de enciclopedias y diccionarios que expresión poética.

Tampoco me convence del todo algunas asociaciones entre colores y ciertos elementos de la naturaleza o la vida. En otras ocasiones vemos relaciones de los colores con la naturaleza que resultan demasiado obvias.

No quiero decir con esto que lo que plantea Ana Isabel Conejo en el poemario sea insostenible. Hay poemas que resultan entretenidos, como Tintoreros y uno disfruta con algunas imágenes, pero son ideas que más hubiesen servido para un microrrelato que para un poema.

Entrevista con Raúl Quinto

2008-01-09T14:15:00.000-08:00

Raúl Quinto nació en Cartagena en 1978 y es licenciado en Historia del Arte por la Universidad de Granada. Entre sus poemarios publicados, destacan Grietas (Editorial Dauro) y La piel del vigilante (DVD Ediciones), que ganó el premio Andalucía Joven en 2004.

Junto a María Salvador codirige la revista electrónica Oniria, además de codirigir la colección de poesía de La Garúa, editorial que acaba de publicar una reedición de Grietas junto con los hasta ahora inéditos Poemas del Cabo de Gata.

Hemos hablado con Raúl Quinto sobre esta última reedición de Grietas y Poemas del Cabo de Gata.

ENTREVISTA DE MANEL HARO A RAÚL QUINTO

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¿Por qué dices en el prólogo que todo lo anterior a estos poemas es “prehistoria obscena y prescindible”?
Grietas completó mi proceso de formación como poeta. Como digo en el prólogo, lo escribí en 2001 cuando contaba con 23 años, por esas fechas había entrado en contacto en Granada con una serie de poetas jóvenes como Rubén Martín, Daniel Rodríguez Moya, Nieves Chillón… que consiguieron sacarme del encierro poético en el que me hallaba desde siempre, y eso se nota en estos poemas, que son fruto de ese aprendizaje común. Desde que comencé, en plena adolescencia, a escribir poesía hasta esas fechas en las que empiezo a compartir mis poemas con estos poetas (para colmo estudiantes de literatura) había seguido un camino totalmente autodidacta, sin saber exactamente qué era lo que se escribía en mi época y sin conocer ciertos rudimentos básicos del oficio de poeta. Grietas se presenta así como mi primera obra ya madura, con plena consciencia de lo que quiero decir y con el dominio de las herramientas que me permiten hacerlo. Lo anterior son miles de experimentos, la mayoría de los cuales me sonrojarían hoy; mi obra poética comienza con Grietas.

Hablas en el prólogo de la imposibilidad de corregir un poema del pasado. ¿Corregir un poema que escribimos tiempo atrás sería como cambiar el significado de ese poema? Dicho de otro modo, ¿la poesía está íntimamente relacionada con los estados de ánimo de cada momento de creación?
Siempre que se modifique un poema, aunque sea una coma, su significado variará. Pero ese no es el problema, ni tampoco esa ligazón con el estado de ánimo del momento de su creación, porque además no creo que haya una equivalencia entre el estado de ánimo y la escritura ni que haya que establecer ningún vínculo, como si uno fuera reflejo del otro. Es más, mi opción es la de una total asepsia emocional a la hora de sentarse a escribir, para evitar precisamente que pueda haber contaminaciones en el proceso creador.

Cuando hablo de la imposibilidad de corregirlo me refiero a que Grietas está escrito con un lenguaje muy determinado, propio de ese universo y de esa etapa mía como escritor, estamos hablando de 2001, de mi primer libro, después he escrito otros dos, o tres si sumamos Poemas del Cabo de Gata, y mi estilo ha ido mutando, adaptándose, creciendo o menguando, pero ya no puede ser el mismo aunque quisiera.

Podría haber hecho un esfuerzo, pero quería que el libro volviera a las librerías con todas las impurezas de un primer libro, que es lo que es. Esto no quiere decir que esté en contra de esa reelaboración constante de su obra que ofrecen autores como Juan Ramón o Gamoneda. Esa es su opción.

¿Qué ocurre en la vida de un joven de 23 años para que empiece a escribir estos poemas donde el tiempo, la existencia quebradiza, los sueños tormentosos tienen tanta presencia?
Grietas se convierte en la primera piedra sobre la que edifico mi poesía entre otras cosas porque son los primeros poemas donde saco fuera de la literatura a mi yo biográfico, es decir, yo no estoy en Grietas.

Evidentemente en mi vida han pasado acontecimientos, algunos incluso terribles, que estuvieron en el germen del libro y que me permitieron pulsar la tecla oportuna para transmitir ciertas sensaciones que pueblan los poemas, pero lo que hay allí no soy yo. De hecho no hay ningún yo en todo el libro, el personaje poético son unos ellos fantasmales, presos de ese oscuro desmoronarse en el que ciertas realidades sumen al ser humano.

Siempre explico que Grietas intenta sumergir al lector en el pozo mental propio de la vida en prisión, en la droga, en lo que antes llamaban un manicomio, los campos de refugiados o la vida bajo el maltrato, sin ir más lejos, la compañía DATE DANZA ha tomado fragmentos de este libro como base para su espectáculo sobre la violencia de género titulado Signos de Arena.

De todo esto me quedo con el tiempo y unos versos tremendos “cíclica miseria donde el tiempo carece de sentido”. ¿Estamos los seres humanos condenados a una “cíclica miseria” o la “inercia” en el tiempo, de la que también hablas en el poemario?
La cíclica miseria es la que se vive en esas realidades que antes citaba. Cuando todo es caer y siempre no tiene sentido el concepto de tiempo; se supone que el tiempo mide los acontecimientos o acaba desembocando en algún punto, estableciendo asideros para cifrar la realidad, pero cuando sólo hay un acontecimiento repetido infinitamente no sirve de nada.

Por fortuna la vida de la mayoría de nosotros no se rige por esas coordenadas extremas, todo es mucho más apacible y hay que alegrarse por ello. Yo propongo con este libro asomarnos a las grietas que fracturan nuestra plácida realidad, mirar, aunque sea horrorizados, ese mundo que está dentro del nuestro.

Raúl, la arena tiene mucha importancia en el poemario. De hecho, abres Grietas con unos versos de Oliverio Girondo donde la arena tiene mucha presencia; versos de arena, diría yo.
La arena es el símbolo principal del libro, ya desde la cita, como bien dices. Y es así porque es la imagen que representa a la perfección la descomposición de la realidad y la mente, ese continuo caer que antes decía. Suelo explicarlo con un ejemplo gráfico: cogemos un puñado de arena de playa con nuestra mano derecha y cerramos el puño, lo que queda en el hueco de la mano es el yo, si la abrimos comenzarán a caer incontables granos de arena de lo que antes era una unidad.

Hay un verso muy revelador. “El agua siempre borra los signos de la arena”.
Precisamente el verso que la compañía de danza toma como referencia, incluyendo una escena en que la víctima del maltrato que ha sido humillada por su pareja embadurnándola de arena sucia purga su miedo limpiándose con agua, borrando los signos de arena. Ese verso introduce una nota de esperanza en un poemario muy desolador, aunque también puede verse de la forma contraria... Y a pesar de ello posiblemente sea la única verdad sin discusión que haya en el libro, cualquiera que haya caminado por la orilla de la playa sabe que en cuestión de minutos sus huellas acabarán desapareciendo.

El poemario es una reedición que ha hecho La Garúa, ¿cómo se llega al acuerdo de reeditar Grietas?
Mi amistad con Joan de la Vega se remonta a la época en que andaba buscando editor para La piel del vigilante. Me planteó la posibilidad de editar ese libro, pero una semana más tarde de esa conversación se falló el premio Andalucía Joven que gané en 2004 y fue DVD quien se llevó el poemario. A esto se unió el hecho de que la primera y minúscula edición de Grietas se agotó al año siguiente, y que en lo sucesivo muchos poetas que llegaban a leerlo me insistían en que era una lástima que ese libro hubiera pasado desapercibido porque para algunos era incluso mejor que La piel del vigilante... Así que se lo plantee a Joan y este accedió de buen grado, lo que hice fue añadir a la obra original un pequeño y extraño cuaderno de poemas sobre el paisaje almeriense, con el fin de que el libro para La Garúa fuera algo exclusivo.

Los Poemas del Cabo de Gata responden a un triple homenaje según tú mismo mencionas en el prólogo. Uno de ellos es la belleza extrema de sus paisajes y un canto en su defensa. Háblanos de tu relación con el Cabo de Gata y de esas amenazas que ciernen sus paisajes.
Cuando cumplí los 6 años mi familia se trasladó desde Cartagena a Carboneras, un pequeño pueblo pescador e industrial que está en el límite mismo del Parque Natural del Cabo de Gata-Níjar, la famosa Playa de los Muertos está en este municipio, para más señas. Esa es mi tierra, allí crecí y allí regreso siempre que puedo, porque están mi familia y mis amigos. Todos esos paisajes que aparecen en el libro los he respirado y vivido. En cuanto a las amenazas, por desgracia son bastantes y tristemente célebres, casi todas tienen mucho que ver con la voracidad del urbanismo indiscriminado, sólo recordar el interminable affaire del Hotel del Algarrobito, que por cierto también está en Carboneras. Estos poemas son otra forma de luchar por la conservación de esta belleza.

Precisamente en el poemario podemos ver imágenes absolutamente terribles del Cabo de Gata, como cielos que se desploman, mares febriles, luciérnagas que se ahogan en el mar, astros que sangran…
El Cabo es un lugar de contrastes violentos, no hay mesura. El mar baña el desierto, los colores chocan entre sí como en ningún otro sitio, la luz desnuda la piedra y deja al descubierto posibilidades infinitas, el azul es más azul, cuando llueve el cielo pesa en los ojos, cuando hay niebla es como si un ala borrara la realidad con el blanco más blanco… sí, es un espectáculo terrible, le recomiendo a todo el mundo que lo visite.

Los otros dos homenajes son a Javier Egea y a José Ángel Valente. ¿Te han marcado mucho su poesía?
Son dos de mis poetas favoritos, a pesar de las grandes diferencias que hay entre ambos, pero si aparecen en el libro es porque los mejores poemas que he leído sobre el Cabo de Gata los escribieron ellos. Javier Egea tiene un libro maravilloso que escribió en la Isleta del Moro llamado Troppo Mare, muchas veces a la hora de escribir mis poemas tomé como pie forzado su verso “Raro este cielo”, aunque luego nunca fueran por ahí los versos siguientes. En cuanto a Valente, estuvo viviendo muchos años en Almería y escribió muchas veces sobre estos paisajes que tanto en común tienen con su poesía.

¿Cuáles son ahora tus intereses poéticos?
Dentro de poco saldrá editado el que sería mi tercer libro de poemas, si dejamos fuera Poemas del Cabo de Gata, en la editorial Renacimiento: La flor de la tortura. Y llevo entre manos algún proyecto creativo a largo plazo como un libro de poemas y un cómic experimental. Por otro lado continúo junto a María Salvador con la revista Oniria y desde este verano estoy codirigiendo la colección de poesía de La Garúa, estamos refundando la editorial y prometemos dar mucha guerra.

Esperaremos ansiosos esos proyectos…

"Grietas / Poemas del Cabo de Gata", Raúl Quinto

2007-12-17T14:33:00.000-08:00

Grietas / Poemas del Cabo de Gata

Raúl Quinto

Editorial La Garúa

1ª edición, 2007

Género: Poesía

68 páginas

ISBN: 978-84-935624-8-9

El poemario está dividido en dos partes. Por un lado tenemos Grietas, donde el yo poético divaga por una serie de fragilidades de lo humano o, dicho de otro modo, por las grietas de una existencia quebradiza. Así, tenemos las grietas del alba, del sueño, del olvido, de los labios…

La segunda parte, distinta totalmente de la primera, se titula Poemas del Cabo de Gata y es un poemario inédito donde el autor hace un esbozo poético de un paisaje donde las estrellas están moribundas, las luciérnagas se ahogan en un mar febril y los cielos se desploman.

Grietas se editó por primera vez en una pequeña editorial granadina y solamente podía adquirirse en librerías de esta ciudad. Pero ahora la editorial La Garúa ha recuperado el poemario y lo ha reeditado para suerte de los lectores.

En el prólogo dice Raúl Quinto que en Grietas “arranca de manera contundente el custionamiento de la identidad, del Yo”. Es casi la única indicación que nos da el autor para leer el poemario. Lo demás queda en manos de la crítica, dice. Podríamos decir que lo demás queda en manos de los lectores, porque cada uno de nosotros ayudará a construir ese yo.

Un yo que se ve empujado por el tiempo, la inercia de lo cotidiano, hacia una perpetuación cíclica de nuestra miseria. Una existencia que se ve atormentada por el mundo de los sueños donde imágenes de un pasado doloroso nos asaltan debajo de la cama y “la luna es un colmillo que desgarra el colchón provocando la noche”. El ser humano es frágil y está amenazado por una muerte larga donde el olvido se apodera de su existencia. La dimensión del yo queda sepultada por viento y arena, secando los labios y la sangre. Solo el agua es capaz de borrar “los signos de la arena”.

Poemas del Cabo de Gata perfilan una visión personal y subjetiva de las costas del Cabo de Gata. La luna custodia las aguas, el mar se cae, los cielos se desploman, la luz se apaga –las estrellas y las luciérnagas-, la noche despierta, los astros sangran sobre las piedras y la arena lo cubre todo. Un paisaje que, en resumen, ayudan a conformar esa identidad del yo en un mundo agrietado.

Después de leer este poemario no queda más que felicitar a Raúl Quinto por sus versos y a Joan de la Vega –editor de La Garúa- por haber recuperado este mundo para los lectores.

"Taller Cézanne", Vinyet Panyella

2007-12-08T06:42:00.000-08:00

Taller Cézanne es un poemario donde, además de poesía, hay referencias pictóricas, concretamente a los cuadros de Cézanne (como indica el título). Vinyet Panyella ha escrito unos versos donde el tiempo parece estar extrañamente desdibujado, sin límites entre el pasado, el presente y el futuro; la vida se muestra frágil, como el despertar de un doloroso sueño que nos aboca a una quebradiza existencia.

Ocurre muchas veces que uno no confía en los premios literarios en el género novela, pero tiende a hacer caso a los premios de poesía. Quizá sea porque el mundo de la poesía nos es todavía algo desconocido y necesitamos una indicación que nos guíe a la hora de escoger el libro que nos llevamos a casa para leer. Taller Cézanne obtuvo el II Premio Internacional Màrius Sampere 2006 en lengua catalana, que organiza la editorial La Garúa y el ayuntamiento de Santa Coloma de Gramenet. Si cuando nos llevamos este poemario a casa, pensamos que vamos a leer un impresionante collage de pintura y poesía, avalado por un premio literario, seguramente tropezaremos con algo muy distinto.

En poesía queda muy bien mezclar artes distintas, como la música y los versos o, como en este caso, la pintura. Hace que la poesía salga de los parámetros normales para dar un toque de universalidad. Hay muchos poetas que recurren a la pintura para escribir sus versos, sin ir más lejos, podemos pensar en Francisco León –ganador del I Premio Internacional Màrius Sampere-, que tomaba referencias de la pintura de Alechinsky, o en tantos otros poetas, como David Castillo, Concha García, Cristina Peri Rossi, que se han inspirado en Edward Hopper. Algunos con muy buenos resultados y otros con muy malos. Vinyet Panyella ha tomado como referencia a Cézanne y ha escrito un poemario más bien flojo.

Taller Cézanne es un compendio de esbozos, de versos, que refieren unas experiencias vitales algo superficiales. Uno tiene la sensación de que estos versos no han salido de las emociones que ha sentido la poeta al ver un cuadro de Cézanne, sino que ha escrito unos versos que se adecuaran a ciertas pinturas. Dicho de otro modo, como aquel ejercicio que nos ponían en el colegio cuando éramos niños, nos pasaban una fotografía o una pintura y nos decían que escribiéramos una historia sobre lo que veíamos. Una poesía que parece ser el resultado de una adaptación a la pintura y no de una expresión de los sentimientos.

Tanto es así, que el lector necesita en algunos momentos del poemario, visualizar esos cuadros de Cézanne para hacerse una idea de lo que quiere transmitirnos el yo poético. Y la poesía siempre tiene que hablar por sí misma, aunque lo que pretenda el poeta no sea lo mismo que lo que capte el lector. En este caso, algún lector podrá sentirse perdido.

Cada lector sacará sus propias conclusiones cuando lea el poemario de Vinyet Panyella, pero mi sensación, cuando acabé de leer Taller Cézanne, fue de desconcierto, de pensar que quizá me había perdido algo si a este poemario le habían dado un premio literario.

Manel Haro.

Editorial: La Garúa (1ª edición: abril, 2007)
Edición bilingüe catalán / castellano
Género: Poesía
71 páginas.
ISBN: 978-84-935624-2-7
Precio: 9 euros

"Sleeping train", José Ramón Huidobro

2007-11-12T16:13:00.001-08:00

Sleeping train son dos libros en uno. Por un lado tenemos un compendio de fotografías que el autor hizo en un viaje a la India. Estas fotografías reflejan escenas tan extraordinarias como ajenas a nuestra vida cotidiana: una arquitectura que parece que vacila con cada golpe de viento, hombres de espesa barba blanca sin más atuendo que una sábana liada a la cintura, mercados improvisados en cualquier lugar, saltos imposibles a la libertad del mar, raíles que se entrecruzan como las vida misma. En definitiva, la pobreza absoluta machacada por el espíritu de las ganas de vivir y de la ilusión.

Por otro lado, tenemos un poemario. Son versos en los que el autor divaga por esas imágenes que asaltan a su retina: niñas pequeñas que comen con las manos un plato de arroz sin borrar la sonrisa de sus caras, paisajes que corren por las ventanillas de los trenes, la ilusión de un niño pendiendo de un estante lleno de polvo… Fusión, en definitiva, de poética de la palabra y poética de la imagen en un recorrido por la India.

Dicen que una imagen vale más que mil palabras, en este caso habría que decir que una imagen sumada a unos versos cargados de simbolismo valen más que una imagen sola o una palabra desnuda. Porque uno podría quedarse con las fotografías y prescindir de la poesía: en ese caso presenciará un recorrido abrumador por un paisaje que nos es familiar únicamente por algunos documentales televisivos; a menos que el lector, claro está, haya presenciado en primera persona la vida –no el turismo- de la India. Pero en estas fotografías el autor va más allá que el simple reportaje fotográfico, porque hay, sin lugar a dudas, unos sentimientos impregnados a los negativos que han salido a la luz en estas imágenes. No son simples fotografías, son como una luz de esperanza que brilla en un lugar donde la oscuridad se cierne en las estaciones y en los suelos donde duermen mendigos y vagabundos mientras los trenes nocturnos, llenos de camas, rompen el silencio de la noche.

Por otro lado, uno podría prescindir de la fotografía y quedarse solamente con los versos. En ese caso, el autor da apuntes para que nos configuremos unas imágenes en nuestra mente que son muy cercanas a las fotografías, ya que los poemas son de una gran carga visual. Por lo tanto, una imagen no vale más que mil palabras si esas palabras y esas imágenes están tan bien compenetradas. Ambas partes, por lo tanto, son absolutamente recomendables por separado o en conjunto.

En Sleeping train no vemos una India castigada por la pobreza, sino una India que vive con ilusión y esperanza su pobreza. Si contamos las sonrisas que hay en las fotografías e incluso en los versos, veremos que, como decíamos antes, es más un homenaje a la esperanza y a la alegría por la vida que otra cosa; da la sensación de que asistimos a un país de soñadores. Es un concepto diferente de felicidad, donde el materialismo no tiene cabida y donde un plato de arroz o un baño en el río alegran más a un niño que lo que complacería a un joven europeo.

José Ramón Huidobro ha hecho un excelente ejercicio aunando poesía y fotografía, que, como se habrán dado cuenta, no andan tan despegados lo uno de lo otro. Siempre he pensado que comprar un libro de fotografía y comprar un poemario es una forma de invertir en nosotros mismos, en nuestro espíritu. Pocas veces tenemos un caso tan claro como Sleeping train, donde leer es viajar.

"Antología poética", Viola Fischerová

2007-10-31T04:53:00.000-07:00

Viola Fischerová escribe unos versos en que el yo poético se siente aprisionado por el tiempo y sus efectos: la vejez y la muerte. Esta antología se abre con unos “poemas fúnebres” a su marido, recién fallecido. En ellos hay un intento de entender la muerte, siendo consciente de la situación de desconcierto en que queda el ser querido que vela las últimas imágenes del esposo. La vejez se presenta como antesala a ese inevitable final: ancianos que saben que se encuentran en el crepúsculo de sus vidas y que apartan la mirada ante el espejo.

El yo poético es, igualmente, consciente de su destino, sabe que le queda poco tiempo, pero no puede hacer nada más que aguardar. Divaga en el tiempo, teme el futuro y recuerda el pasado, la niñez, pero esas divagaciones no la desencajan de un camino directo a la no existencia o, dicho de otro modo, a la existencia del más allá.

El casi macabro espectáculo que la naturaleza da a los ancianos, mientras ellos permanecen sentados en los bancos de los parques temiendo perder la felicidad, ven cómo niños y adolescentes corren, inocentes, jugando y bañándose en el río, rodeados del verdor de la hierba y de los árboles. Los ancianos miran con ternura y a la vez pesar, esa imagen de infancia, que ya pasó para ellos y que ya no van a poder alcanzar de nuevo.

Podemos encontrar poemas de gran fuerza evocativa, con imágenes desgarradoras y duras, pero a la vez humildes y contenidas. No es un poemario donde destaque la forma, la retórica, sino que son unos versos sencillos que quieren configurar imágenes y angustias. Esas imágenes son abrumadoras, mujeres ancianas que lamentan no haber aprovechado suficientemente el tiempo y saben que el suelo que pisan es el lugar donde van a parar tarde o temprano, niños atormentados que se sienten más cercanos a la muerte que a la vida, hombres que no prestan atención a sus mujeres hasta el momento en que se dan cuenta que ya no están…

Hay una cierta tendencia elitista, no sólo en poesía, sino también en prosa, a obviar los signos de puntuación. Dar rienda suelta a la creación, sin atender a las necesidades de una lectura pausada que, desde luego, requiere la poesía. Los poemas de Viola Fischerová prescinden del todo de la puntuación; es el lector el que debe marcar las pausas, cosa que uno no acaba de entender el motivo de este proceder.

En cualquier caso, no podemos discutir que Viola Fischerová es una excelente poeta. Solo hace falta detenerse en algunos de los poemas que hay en esta antología para darse cuenta de la capacidad evocativa de la autora. Nadie que lea este poemario se quedará indiferente, porque las sensaciones que están encerradas en los versos, son las inquietudes que todos hemos tenido alguna vez en la vida o que acabaremos teniendo cuando estemos marcados por los signos del tiempo y vayamos solos a nuestro crepúsculo existencial. Dijo alguien alguna vez que las personas morimos siempre solas, aunque alrededor haya gente que observe cómo la llama va poco a poco consumiéndose. Vale la pena adentrarse en la lectura de este poemario para degustar la fuerza de Viola Fischerová.

Manel Haro.

Editorial: Bassarai (1ª edición, julio de 2007)
Colección: Poesía Bassarai, 46
Género: Poesía
141 páginas
ISBN: 978-84-96636-12-5

Precio: 13 euros

"El cantar de las amantes", Goya Gutiérrez

2007-10-30T17:00:00.000-07:00

El cantar de las amantes

Goya Gutiérrez

Emboscall Editorial

1ª edición, 2006

Género: Poesía

62 páginas

ISBN: 978-84-96443-73-0

El cantar de las amantes es un poemario que, compuesto por varias partes, empieza con un múltiple homenaje a diversas mujeres: Sylvia Plath, Alejandra Pizarnik, Frida Kahlo, Maria Mercè Marçal, Anna Ajmátova, Alfonsina Storni y Marina Tsvietáieva. Todas ellas son mujeres claves en su época; alguna de ellas se suicidó, otras fueron claros ejemplos de escribir sin libertad y otras sencillamente estaban por encima de las demás en sus respectivos campos. Goya Gutiérrez rinde merecidos homenajes a estas mujeres todoterreno con poemas de calidad.

Seguidamente, hay tres partes más, que, en mayor o menor medida, hablan de uno de los temas capitales dela poesía: el amor. Pero no un amor cualquiera, sino un amor femenino que es capaz de captar la dimensión espacio-temporal que lo envuelve.

La muerte es otro de los ejes importantes en el poemario, como lo es la vida. Ambas aparecen unidas por el amor. Este amor da la vida y dura hasta la muerte e incluso la teme, porque el mismo fin del amor puede ser el fin de la existencia. Todo ello bañado por lo absoluto, el mar, el agua... El mar que baña los sexos, el mar que baña el amor, la tristeza, el agua que es vida.

Un ejemplo de vida que hay en el poemario es la flora. Los versos están llenos del colorido de las flores, de la rigidez de los tallos, de los pétalos que acarician como dedos. Se erige la flor de un hibisco que, como dice su autora, debe vencer el paso del tiempo, como debemos vencerlo todos.

Unas ilustraciones acompañan los versos, dando un toque más personal a la poesía de Gpya Gutiérrez. Lo místico y lo absoluto queda recogido en los arcanos, el bosque de los sueños y la flor del hibisco.

Los versos de Goya Gutiérrez intentan acaparar todo lo que tenga que ver con las sensaciones más complejas: el amor, el olvido, el silencio, la muerte... El universo se pasea por estos versos y va sembrando mar, cielo, flores, rocas silenciosas, existencia. Porque en El cantar de las amantes hay fuego, tierra, mar y aire. Pero también amor, sobre todo amor.

"Libro del frío", Antonio Gamoneda

2007-10-29T03:06:00.000-07:00

Una vez más ese temor por la muerte está presente en un poemario de Antonio Gamoneda. En este caso la inexistencia se presenta con el frío, el frío del color blanco, el frío de la nieve... Una nieve que cubre la hierba y la tapa, cubre la vida, así como forma un manto donde clavar las huellas.

Como la muerte también está el amor, un amor cercano también al frío de la muerte. Y, por supuesto, la figura de la madre, que perdió en el pasado y la conciencia de que el yo poético también está envejeciendo.

Gamoneda tiende a metaforizar con colores la existencia y la inexistencia. En "Arden las pérdidas" la muerte era el color negro, pero también el color amarillo, así como el púrpura. En este caso aparece el blanco como color predominante, también en compañía con el amarillo, el morado, el negro y el azul.

La muerte se personifica, es capaz de agarrar por la mano a los vivos y llevárselos consigo. La naturaleza es cómplice de todo este proceso. Alrededor de los acontecimientos, de la conciencia del paso del tiempo, siguen volando pájaros como testigos de lo que va surgiendo y lo que va marchando, inconscientes ellos de la fuerza del destino.

Porque nadie escapa al frío, ni puede evitar que el vigilante del frío te agarre tarde o temprano de la mano y te conduzca por la senda amarilla en mitad de las sombras. Donde reside la amada y donde reside la madre.

Libro del frío no es el mejor poemario de Gamoneda, aunque hay que reconcoer que es un maestro cuando anda entre versos, sabe cómo sugerir la angustia de la vejez, como si un escultor estuviera modelando tu cara para darle un nuevo aspecto. Como si tu caminar se dirigiera a una montaña y al llegar cansado, te asomas al abismo y temes la calma final.

En definitiva, Gamoneda es un grandísimo poeta que nadie debería perderse, ya que sus angustias son, tarde o temprano, las angustias de todos algún día.

Editorial Siruela

Colección Libros del Tiempo

ISBN: 84-7844-130-1

160 páginas

Precio: 16 euros

"Estrategias del deseo", Cristina Peri Rossi

2007-10-26T04:58:00.000-07:00

Estrategias del deseo

Cristina Peri Rossi

Editorial Lumen

1ª edición, 2004

Género: Poesía

80 páginas

ISBN: 9788426414649

Como dice el título, el poemario se presenta como un conjunto de estrategias para llegar a regocijarse en el deseo. No hay una figura estable de la amada, más bien es algo que aparece y desaparece de una forma casi intermitente. Los encuentros suelen ser en hoteles, gran parte de las veces en fines de semana. Pero mezclado con el deseo aparece la espera, una sensación de aguardar no se sabe exactamente el qué, en ocasiones es la amada quien espera al yo poético, pero en otras, sencillamente es el yo poético, la voz de la autora, que permanece sentada ante la mesa de un bar y ni ella misma sabe qué le va a venir.

Quizá sea ese el sentimiento de sentirse extranjera, sentirse extraña en un lugar conocido. Como ella misma dice, el presente es efímero y el futuro incierto. Pocas cosas hay que muestren una estabilidad. Las ciudades son lugares donde caminar, donde tomar un punto de encuentro y reunirse, pero para luego separarse. La fugacidad de la vida aparece aquí como lo efímero de las situaciones concretas. En definitiva, nada aparece encajado, ni siquiera el deseo y precisamente por esa razón hay que buscar juegos, estrategias, para llegar a sentirse deseada, llegar a sentir que se desea.

Como en otras ocasiones en la poesía de Cristina Peri Rossi, los paisajes urbanos con los que dominan los trasfondos de los versos. El yo poético está en consonancia con el mundo que le rodea y por esa razón esas situaciones entran a formar parte de la poesía.

Podríamos decir que son poemas de lo cotidiano. Por esa razón el hecho de tomar una copa en un bar o el estar fornicando, como diría la autora, son experiencias que vive el sujeto y por lo tanto, si es una poesía de la experiencia, deben tener cabida aquí.

Gran parte del poemario lo ocupan dos temas importantes que ya comentábamos en el resumen, que son el deseo y la espera. A veces ambos van unidos, en ocasiones el segundo es el peaje para llegar al primero, como diría Woody Allen, y otras tantas veces la espera es, simplemente, la consecuencia del deseo.

Como en Habitación de hotel, las imágenes de Hopper también aparecen aquí, se podría decir que el yo poético es una de esas mujeres de Hopper, que aguardan en una ventana sin saber demasiado bien el qué. Y a esto, se le une el divagar: el pasear por la ciudad, el coger un tren sola, ir a hacer una lectura poética sin saber quién te va a escuchar… Y a veces, después de hacer todo eso, quizá acabar con alguien, muchas veces en algún hotel.

El estilo de Estrategias del deseo es directo, sin florituras. El léxico que se utiliza es también urbano, más propio de un lenguaje hablado entre amigos que de un dialecto culto (poético). La sintaxis mezcla oraciones largas con otras más cortas, quizá todo eso forme parte del juego que ya hemos comentado: el estilo directo refleja la necesidad de expresar unas experiencias de forma rápida, sin tapujos y la sintaxis desigual podría ser reflejo de esa sensación de inestabilidad.

"Terraria", Francisco León

2007-10-26T04:13:00.001-07:00

Terraria

Francisco León

Editorial La Garúa (Barcelona, 2006)
I Premio Internacional de Poesía Màrius Sampere 2005
ISBN: 84-934968-3-9
75 Páginas

El espacio es, creo, lo importante en este poemario. Porque es la justificación para que el yo poético dé rienda suelta a sus necesidades vitales y poéticas. Concretamente la fusión de un espacio físico con un espacio poético, porque existe uno en el otro. Y ese uno en el otro se encuentra en las Canarias, donde nació Francisco León y donde llegó el pintor Pierre Alechinsky.

Porque Alechinsky, como dice el poeta, llegó para sanar de la enfermedad nerviosa que padecía y se encontró con la decepción de unas tierras volcánicas, negras, con lagartos y serpientes, que más le empujaban hacia la intranquilidad que hacia la estabilidad emocional (estamos atrapados en Lanzarote decía el pintor).

Leer Terraria es penetrar en los cuadros de Alechinsky y en su mente, pero también es compartir un espacio y un tiempo con el yo poético que se pasea por paisajes surrealistas donde los peces voladores huyen del mar de la noche para morir en la tierra y donde las playas no son y los caminos tampoco. Es un descenso a las profundidades enigmáticas de la isla de Lanzarote.Y ante este abanico de perspectivas, nos metemos en un mundo extraño, que supera los límites perceptibles y nos empuja a sucumbir en las costras de lava volcánica, a pasearnos por cementerios y tañidos de campanas, a toparnos con aparecidos y con desaparecidos. Hay mucho de surrealismo, ya lo apuntaba antes, el poemario está plagado de imágenes que se van fundiendo las unas con las otras para formar un todo unitario al final del libro donde comprendemos toda la dimensión poética de Terraria.

Terraria nos hace referencia a esos espacios secos del Sur, como del Sur es la desesperación y la muerte. Pero no nos engañemos, estamos ante una muerte tergiversada y enigmática, que anda trastocándolo todo, borrando playas y gentes, descolocando caminos, pero no llevándose nada consigo porque es capaz incluso de desenterrar a los muertos. La muerte, aquí, simplemente aturde.

Que quede claro que no estamos ante una poesía meramente descriptiva o alusiva con metáforas de almacén. Es mucho más: es la necesidad de escribir unos sentimientos e inquietudes que durante tanto tiempo han recorrido la mente del poeta.

Adentrarnos pues en Terraria es entrar en un juego de muñecas rusas: entramos en la necesidad vital del yo poético, que a su vez pasa por el espacio y el tiempo de los cuadros de Alechinsky y que erupciona, como un volcán, en las tierras del Sur, las de Lanzarote.

No resulta extraño que el jurado del I Premio Internacional de Poesía Màrius Sampere le haya dado el galardón a este poemario. Se disfruta tanto leyendo como imaginando esos extraños y a la vez necesarios terrenos que plagan el viaje poético que hacemos al leer Terraria.

Leer entrevista a Francisco León

'Pormenor', Concha García

2007-10-26T04:03:00.000-07:00

Pormenor
Concha García
Editorial Dilema
Colección Ocnos Alas (1ª Edición: 2005)
Género: Poesía
ISBN: 84-9827-006-8
73 páginas

Después de que la amada se marche en una especie de fuga anunciada, queda la dura prueba de enfrentarse a lo cotidiano, a todo aquello que ha estado presente durante la relación. A partir de ahí, todo lleva a intentar seguir adelante eludiendo los recuerdos de un pasado que trastorna el presente y la visión de la vida diaria.

Como he dicho en alguna otra reseña, la poesía de Concha García es un transitar sin descanso por los terrenos de un amor no colmado. En ese camino en el que se mueve el yo poético, se dejan una serie de pistas –indicios- que permiten al lector –perseguidor- rastrear ese periplo de amor y soledad que queda anclado en unas huellas latentes, imborrables.

En el primer poema (Empezar), leemos un verso revelador: adoro los tejados y beber. La figura de una mujer sola en la barra de un bar, apurando una copa, sin saber exactamente qué le recorre por la mente es importante en la poesía de la autora; la soledad está escudada en esa acción: levantar el vaso y beber, sin más compañía que la propia. Y luego los tejados, ese enclave urbano testigo del desamor, de la soledad. El yo poético está perfectamente integrado en la ciudad y en sus paisajes. Parece, una vez más, una superposición de varios cuadros de Hopper.

Si nos detenemos en el poema Permanencia, veremos también esas pistas antes mencionadas. Seguro que la autora no se molestará por incluir los versos aquí:

Me ha querido como a nada en el mundo.
Como a nada, pienso: nada.
Y busco entre la nada. ¿Qué es la nada?
¿Un compromiso? ¿Una sed?
¿Algo?

El amor máximo que podamos establecer, querer como a nada, queda desvirtuado por esa misma nada. Cuando la amada se marcha, es precisamente esa sensación de nadería lo que queda. Y ¿qué es esa nada? Aquí, en Pormenor, es una lacerante sed.

Volvemos otra vez a esa necesidad de beber para calmar el desasosiego, la sed. Beber para olvidar. Pero existe también la cotidianeidad de los actos, que son tan hirientes como esa misma nada. Todo le recuerda a ella: el vaso sucio sobre el fregadero, la tapa de boquerones en el bar, las facturas… Todo lo que ha custodiado una relación acabada es fiel testigo del fracaso y se manifiesta a cada golpe de vista. Por lo tanto, incluso un vaso para beber puede ser símbolo de inquietud.

No es posible borrar esas marcas, así que la única solución aparente es la de ignorar, intentar que la mirada no coincida con las evidencias. Pero de ese modo se da con un crudo aburrimiento y abatimiento que lleva a sentarse frente al televisor y no prestar atención más que a los recuerdos. El pasado es una realidad y el futuro una incerteza; así el presente no es más que la conexión entre una realidad amarga y una incertidumbre angustiante. Todo un círculo, una encrucijada.

De cualquier modo, en este poemario no está tan presente el dolor por la ausencia, sino más bien la duda y cierta necesidad de controlar el desconcierto. Hay conciencia de la pérdida, de la marcha y se establece un intento de autocontrol. Quizá la mayor felicidad sea el poder decir ya no te quiero, ser capaz de controlar las emociones.

Como decíamos, quizá sea el beber la única manera de desintoxicarse de la borrachera de un amor pasado, como despertando con una jaqueca tras una ruptura o un exceso de alcohol. Pero, muchas veces, ni eso es suficiente si en el monedero no quedan más que cinco duros y no alcanza para pagar una copa. Entonces sí que ya no queda nada.

Del poemario se desprenden unas palabras: la pasión queda estropeada si se desea lo que ya se tiene. Efectivamente, en Pormenor lo que se desea es lo que se ha perdido y resulta trivial desear lo que ya es tuyo, porque entonces no es deseo, sino pasión u otro sentimiento.

No sería un descalabro decir que la poesía de Concha García está en un nivel superior, en un lugar donde el lector debe forzar su capacidad para llegar a comprender el caudal simbólico que está engastado en los versos –en las huellas- de cualquiera de sus poemas.

Volviendo al principio, cuando el lector ya se sabe de memoria esas pistas es capaz de dominar el terreno que sigue el yo poético. Así, se pueden encontrar atajos o salvar obstáculos hasta dar, como una explosión, con la esencia del poema. Y quizá esa esencia tenga forma de mujer y esté sentada en algún bar bebiendo e intentando olvidar un amor pasado.

III Premio Internacional de Poesía Màrius Sampere 2007

2007-10-25T17:09:00.000-07:00

Luis Manuel Pérez Boitel ha sido galardonado con la obra “Las naves que la ausencia nombra” en la modalidad de lengua castellana del III Premio Internacional de Poesía Màrius Sampere 2007. Por su parte, la poeta catalana Mireia Mur ha ganado la modalidad de lengua catalana del mismo premio con su poemario “Llibre de metis”.

Luis Manuel Pérez Boitel nació en Remedios, provincia de Villa Clara (Cuba) en 1969 y es de profesión abogado. En España tiene publicado ya algún poemario, como “La oración del inquilino” (Diputación Provincial de Málaga). Sus obras se han publicado en Chile, Brasil, México, Estados Unidos… países en los que ha recibido varios premios literarios, como el Premio Internacional Casa de Américas. Con su obra “Las naves que la ausencia nombra” da un paso hacia delante para darse a conocer en España, gracias al Premio Internacional Màrius Sampere.

Mireia Mur nació en Molins de Rei (Barcelona) en 1960 y es filóloga. Además ha traducido al catalán y al castellano más de una decena de obras del inglés, entre las que destaca la que hizo con la poeta Montserrat Abelló del libro “Ariel”, de Sylvia Plath. Actualmente ejerce su profesión de traductora en varias entidades culturales, como la Fundación Antoni Tàpies, Macba o Fundació Joan Miró. Después de un período de silencio que dura más de veinte años, tras su publicación en 1982 de “A despit del rei”, vuelve a la creación literaria por la puerta grande al ser reconocida con el Premio Internacional Màrius Sampere por su poemario “Llibre de metis”.

El acto de entrega de los premios, ambos dotados con 6.000 euros, se celebró en el Auditorio Can Roig i Torres de Santa Coloma de Gramenet (Barcelona) el dia 5 de octubre con la presencia del alcalde de la ciudad, Bartomeu Muñoz, y del poeta Màrius Sampere.

Al concurso se presentaron casi cuatrocientas obras entre ambas modalidades, lo que demuestra su cada vez más importante prestigio en el panorama de la poesía actual. El jurado estuvo formado por Màrius Sampere, el alcalde Bartomeu Muñoz, Sam Abrans, Rosa Lentini, Vicenç Llorca, Montserrat Olivés y Antoni Puigvert en la modalidad de poesía en catalán. En la categoría de poesía en castellano, fueron jurado Màrius Sampere, Bartomeu Muñoz, Salvador Clotas, José Corredor-Matheos (Premio Nacional de Poesía 2005), Sergio Gaspar, Susana Rafart y Esther Zarraluki.

El certamen lo organiza desde hace tres años la editorial La Garúa y el Ayuntamiento de Santa Coloma de Gramenet con la intención de promocionar la creación poética en catalán y en castellano, dando voz tanto a escritores noveles como a otros poetas de larga trayectoria pero actualmente olvidados.

Los poemarios podremos verlos en librerías en el mes de abril del año próximo coincidiendo con la festividad del Día del Libro.

'Habitación de hotel', Cristina Peri Rossi

2007-10-25T16:59:00.000-07:00

Habitación de Hotel

Cristina Peri Rossi

Editorial Plaza & Janés

1ª edición, 2007

Género: Poesía

77 páginas

ISBN: 978-84-01-37978-9

Solamente en la escritura es donde se siente anclada y a través de la noche es cuando se siente más libre, en la noche se puede escribir, se puede pasear por las calles, se puede amar, pero al mismo tiempo la noche es lo oculto, lo misterioso, donde muchos otros juegan al margen de la ley, donde quizá la soledad es más dura.

Habitación de hotel se presenta como poesía urbana. Una poesía de la ciudad, de las calles, de las habitaciones, pero también de las pasiones terrenas. En esas ciudades varias, la poeta grita su soledad y grita la necesidad de tener al lado a la amada, en ocasiones basta con un poco de compañía. Son poemas que se escriben cuando una persona se queda sola en la gran sala de espera de un aeropuerto, cuando se apura una última copa de whisky en el bar de un hotel y ya nadie queda alrededor, cuando se camina sola por la noche o cuando estás al lado del teléfono deseando llamar a esa otra persona.

En esos poemas están esas mujeres de los cuadros de Edward Hopper, mujeres en actitud de espera, sentadas y mirando por la ventana sin saber exactamente qué les espera más allá de los cristales o al día siguiente, mujeres que beben solas en los bares y viajan solas en los trenes. Poemas de necesidad, necesidad de amar, de escapar mediante las palabras de esa realidad insatisfactoria. Porque las palabras forjan algo más que las páginas de los diccionarios.

Un estilo directo, casi agresivo, sin tapujos ni alusiones. Todo tal como lo siente, tal como lo vive. Habitación de hotel recibió el XI Premio de Poesía Ciudad de Torrevieja.

"Downtown", David Castillo

2007-10-25T16:54:00.000-07:00

Se trata de un breve poemario donde se recogen una serie de reflexiones sobre la insignificancia del ser humano ante la basta evolución de la ciudad y el paso del tiempo. Los edificios que desgarran el cielo, las calles enormes, que permiten el tránsito de personas, sin que haya cabida para la ternura. Caras que se cruzan, pero que no se conocen, transeúntes que se mantienen ajenos al dolor de los demás. Poemas, a fin de cuentas, de la decadencia del ser humano ante lo imponente de ciudades como Manhattan.

Como ya ha quedado claro en el argumento, se trata de poesía urbana. Y, como ya hacen otros poetas, como Concha García, Cristina Peri Rossi o incluso Vázquez Montalbán en su época, se trata de un yo poético que se siente solo ante las circunstancias que lo rodean. Puede que sea la incomprensión, la melancolía, la nostalgia, el desamor, el olvido. En este caso hay desamor, recuerdo de lo pasado, sentimiento de inferioridad ante los elementos. Pero sobre todo, hay paisajes urbanos, hay una contraposición entre la transformación de la gran ciudad y la del ser humano.

No es el mejor poemario de David Castillo. Hay poemas que están bastante bien, pero en general la sensación es que el lector no logra profundizar demasiado en esos sentimientos que expresa el yo poético, como si algunos poemas solo fueran una suma de versos, nada más. Y más allá de los versos, debe haber todo un mundo, un trasfondo, y sobre todo debe quedar manifiesta esa necesidad imperiosa de expresarlos. Eso es precisamente lo que se echa en falta, parece que el autor haya escrito estos versos para salir del paso, no porque necesitara expresar unos sentimientos.

Manel Haro.

Reseña aparecida en Anika Entre Libros.

Editorial: Icaria (1ª edición, diciembre de 2005)
Colección: Poesía, 41
85 páginas
ISBN:84-7426-819-2
Precio: 9,50 euros

"Arden las pérdidas", Antonio Gamoneda

2007-10-25T16:48:00.001-07:00

Arden las pérdidas

Antonio Gamoneda

Editorial: Tusquets (Barcelona, 2003)

Colección Marginales

Género: Poesía

ISBN: 9788483108789

125 páginas

Todas las consecuencias de la vejez es lo que hay en este poemario. Hablamos pues del olvido, del recuerdo borroso, de la proximidad de la muerte, la inexistencia. Todo es confuso al intentar echar la vista atrás. Los huesos se tuercen y el pelo arde ante la sombra del olvido. Es un olvido frío y agrio que acompaña de la mano, poco a poco, al yo poético hasta la muerte. La luz es el camino entre las sombras del olvido y la muerte porque luz es el fuego que arde.

Hay un juego de colores entre el negro, el amarillo y el púrpura, pero todos ellos referidos a lo funesto de la existencia. El amarillo recuerda la luz que sale del fuego al abrasar la memoria y la vida misma, el negro es la noche, las sombras y el púrpura es la presencia de la muerte.

Una imagen preciosa: lluvias que humedecen tapices inmóviles. Creo que no se puede decir de una forma tan sugerente esa borrosidad de la memoria que empuja de la inexistencia hacia la inexistencia misma.

Hay unos contrastes que aunque parecen muy marcados en el fondo se confunden: como la locura con la lucidez. Parece que ni hay una ni hay otra o quizá haya momentos para las dos.

La figura de la madre que se aleja del hijo y la figura del hijo que, a ciegas, busca a la madre y no la encuentra. Y un sinfín más de imágenes preciosas que Gamoneda pone en sus versos de una forma magistral. No en vano Antonio Gamoneda en el 2006 ha recibido el Premio Cervantes y el Reina Sofía.

'Pistas falsas / Pistes falses', Joan-Elies Adell

2007-10-25T16:39:00.000-07:00

Pistas falsas / Pistes falses

Joan-Elies Adell

Editorial: La Garúa (Barcelona, abril de 2006)

ISBN: 978-84-934968-4-5

156 páginas

Son unos versos donde el yo poético está en actitud de espera y de búsqueda, pero no sabemos exactamente qué aguarda. Sabemos, en cambio, que a través de las palabras pone cierto orden a una memoria mermada por la ausencia de un “tú” que tampoco sabemos quién es.

Un yo poético que se refleja en las plantas que dejan ir sus hojas ante el cambio de ciclo, que se deja ver en el cambio de estaciones, en el paso del tiempo que hiere. La mirada anónima que lo observa y que parece querer entrar en él y que quizá sea su misma mirada, quizá haya una desubicación y sea él mismo quien se observe.

Una observación de un yo pasado, una toma de distancia necesaria para entenderse, para, a través de la poesía poder explicar la verdad que le rodea, ya que como los versos dicen, la poesía es “ficción de la verdad”.

El título del poemario es “Pistas falsas”, y eso nos indica que en los versos se encierran unas claves que pueden despistarnos. Los sentimientos son confusos, hay pocas cosas que sepamos con claridad y quizá debamos entender que el sentido del poema no es más que el poema mismo. Quizá más allá de los versos no haya realmente nada.

Un yo poético que tuerce la vista a un tiempo pasado que marca la desorientación y la frustración del presente. Porque el pasado es la memoria, las ausencias que han sembrado ese camino andado y el peso de la fuerza de la gravedad, como se dice en algún verso, el paso del tiempo que colma el corazón.

La vacío de la pérdida no puede ser llenado, pero existe el consuelo del mar, una presencia que late en los versos, un lugar donde capuzarse y olvidar, donde tras esconder la cabeza, puedes volver a sacarla y tomar aire.

El poema es esa verdad que lo envuelve, no es la perfección de un canto, sino la angustia, la soledad que el yo poético siente.

Cierra el poemario una cita de Alfonso Costafreda que deja al lector en actitud reflexiva: ¿son vida las palabras o van contra la vida?

Al hablar, al dar rienda suelta a la palabra se expresa lo que uno siente, la vida que uno tiene, pero al mismo tiempo, esos sentimientos, si son amargos, expresan una realidad que puede ser arrebatadora para la existencia.

'El don de la ignorancia', José Corredor-Matheos

2007-10-25T16:27:00.000-07:00

El don de la ignorancia

José Corredor-Matheos

Editorial Tusquets

1ª edición, 2004

Género: Poesía

124 páginas

ISBN: 978-84-8310-962-5

Más que de la ignorancia, de lo que trata el poemario es de la existencia y la inexistencia. Hay un juego constante del ser y no ser, de la presencia de la muerte y de las correspondencias con la naturaleza. El yo poético se integra dentro de un todo vital, donde es capaz de escuchar lo que dicen los árboles y puede respirar el mar, el mar donde se encuentra Paul Valèry, para sencillamente hacer un ejercicio de desubicación: se desubican las montañas como se desubica el mismo yo poético.

Se vacía para poder vivir con plenitud lo real y lo irreal, él mismo forma parte de ambas percepciones. Ese proceso de vaciarse es necesario para sacar los resquicios de un yo, un ego, que pueda alterar la pureza de la vida, nada nos pertenece a la vez que pertenecemos a un todo unitario. Porque el ser humano no tiene raíces, no está sujeto al mundo terrenal. No debemos sujetarnos nosotros mismos si la naturaleza no nos ha apresado del todo. No hay que esperar nada, sino vivir nuestra existencia, la pureza de nuestra existencia que radica en nuestro interior.

La desolación, la noche, el silencio recorren los versos del poemario dando esa sensación de inestabilidad en este mundo. Pero al mismo tiempo que hay desolación hay ganas de vivir, ganas de formar parte de la naturaleza. Y no hay que olvidar que en este mundo todo es lo que es y nada más: las montañas son montañas, el nombre de dios son los nombres de dios y la poesía... La poesía es sólo eso: poesía.

Ser ignorante tiene de positivo un cierto desconocimiento que resta preocupación por la existencia que nos envuelve. Y esa despreocupación hace que no nos angustiemos tanto por la existencia ni temamos la inexistencia. Es el don de la ignorancia.

En cuanto al estilo, lo cierto es que es un estilo muy sencillo, sin rarezas ni ornamentaciones. El fondo se fusiona con la forma: la poesía es lo que es y sale como sale, no hay una exaltación del yo, no hay egopoesía. Este poemario ganó el Premio Nacional de Poesía 2005 que concede el Ministerio de Cultura.